Alle Fotos aus dem Buch „A Drug Free Land“ von Thomas Kern
published by Edition Partick Frey, ISBN: 978-3-905509-90-8

Dieses Interview aus dem Jahr 2011 ist zuvor in leicht veränderter Form auf der Seconds2Real und American Suburb X erschienen.

Christian Reister: Thomas, how and when did you start photographing?

Thomas Kern: I became fascinated by photography at an early age. At home, there was a camera, but it was rarely taken out of the closet, which lead to the fact that the colorfilms inside that camera were only processed after years and the pictures often had this yellow tint – hence maybe my scepticism towards color photography… When I was 15 years old my art teacher asked me if I was interested in having an enlarger. It was not even his, but belonged to an artist friend of his, who was trained as a photographer, but turned painter, which was an early hint at me that photography was not a mean in itself, but rather another way of expressing yourself through art. I gracefully accepted the gift and set up my first darkroom in the laundry room of my parents house. There was a light tight closet under the basement stairs where I could fill my rolls into the tank.

I was immediately hooked and fascinated by what happened in the darkroom. The reappearence of things I had seen or imagined and the combination of the two whenever holding up a camera still amazes me until today. After highschool I applied for entry to the photography department of the Kunstgewerbeschule in Zürich. I wasn’t accepted and subsequently started working as an assistant to a fashion photographer, later more studio and stillife. Later I entered an apprenticeship, still taking classes at the Kunstgewerbeschule. During this time I learnt the whole craft side of photography. At the end of my education I knew that it wasn’t advertising and the world of fashion that would give me the kick. I was already on track to get into the world of photojournalism. At the time I was also working as a camera assistant for documentary film projects and as camera man for some television productions.

In 1989 I started working full time as a photojournalist and one year later I was the co-founder of the photographers agency lookat photos, a project that acoompanied me for the next 15 years. My first subject of choice was the situation in Northern Ireland. From there on I embarked on a journey through most of the Middle East and from there closer to home back to the Balkans, work that resulted in my first collaboration fort he Swiss monthly cultural magazin DU. Three ways to Isfahan was the next, a joint project with fellow photographers Samer Mohdad and Daniel Schwartz. Then came Haiti fort he first time, something I continue working on up until today. From 1998 until 2006 I lived in San Francisco, that’s where my answer to your next question starts…

Christian Reister: What led you to your book “A Drug Free Land”? Why America?

Thomas Kern: Early 2001 the dotcom bubble popped. Living in San Francisco, at the door step of Silicon Valley, this immediately translated into a loss of assignments, The bread and butter jobs I needed were gone from one day to the other. San Francisco was expensive enough, I was struggling to make ends before, but without these jobs the situatione became critical. In September followed the attack on the Twin Towers, and the America I believed to know started falling apart. At this point I was determined to start a personal project somehow built on the experiences and years we had already spent in the United States, 9/11 – with all it’s well known and widely discussed consequences, the subsequent war on terrorism and the far-reaching restrictions on civil liberties, changed everything.

I was appalled at a self-censoring press and by the almost undisputed acceptance of embedded journalism. I was disgusted at Abu Ghraib, even if it did not reflect what Americans think America is really about, it still did reflect what hundreds of millions of other people thought America is about, and that matters. America – 37 millions live in poverty; 60 millions simply get by just above the poverty line. 50 million people are without health-care. Yet at the same time the United States invests 713 billions in the military, including a nuclear arsenal and the ongoing operations in Iraq and Afghanistan. All this weighed heavily on the land.

My photography has always aspired to go beyond the obvious and to somehow capture the invisible. The photographs I was searching for were documentary but rest ambiguous and inconclusive at the same time. I was not trying to make a final statement. The images come from heart and mind alike. They are wrought from strong convictions shaped by my own experience of living in the midst of a sometimes deceitfully familiar America – a very personal departure point to explore a very public subject. There was no common language for the confusions and fears triggered by 9/11, the ongoing wars and a crumbling economy. It was my ambition to give this America a face, to create a document, a visual commentary on the state of the nation. I was interested in the cracks between the personal experience and the state rhetoric, between the individual and the national order of things. I tried to find my images in the fabric of daily American life. I photographed people at their homes, at work, together with their friends, captured them shopping and while walking the streets. It was all out there. The strength and relevance is in the ability to select the permanent from among everyday reality.

Christian Reister: Some of your photographs are taken in a more reportage-like style, most of them more in the tradition of Street Photography – the scenes seem unstaged and rather found than wanted. How would you describe your approach?

Thomas Kern: To a certain extend my images are all found. At an early stage there is always some planning. I am a strong believer in research. Reading is important. The entire body of work in front of us somehow goes back to a text passage I found in a travelogue written by Alexis de Tocqueville in 1834. When working for A DRUG FREE LAND there was usually a rough itinerary or some kind of a destination, those way points I mostly chose according to historical significance, sometimes for their geographical location and sometimes just for their names, but that’s when I am already on my way. The research, the reading and the practical preparations must fade away into the background, once I have entered the picture making mode, it is the subconscious that finally triggerst the alarm when an image presents itself before me. It is as much seeing as recognizing the scene. When actually taking images I like to be slow. Driving is nice, the windshield can act as a frame and help you to see the images, but usually driving is too fast and the images gone by to quick. I prefer walking, when staying in Flint, Michigan for a while, I bought a bike in a pawnshop. That’s good transport too.

Again, I prefer to find my images as opposed to searching for them. I like to be surprised, as a photographer I don’t like to control a situation. I also could never work digital on such a project. I don’t want to see what I am doing, I like get up in the morning and see the world untainted. The images I do have to settle down to the unconscious, where they mingle and mix with the research, the reading, my memories and experiences while traveling.

Christian Reister: You are a Swiss citizen, you travelled countless states of America and you are taking your photographs with a Leica, black and white and analogue. Over fifty years ago there was another Swiss, Robert Frank, who has set cornerstones for generations of photographers with his book „The Americans“. Where do you see parallels and differences?

Thomas Kern: Of course I did all this to become a future inspiration to generations of photographers to come. Just like Robert Frank… Seriously, when starting out as a photographer I was interested in a socially conscious and advocating photography, I was much more drawn towards people like Gilles Peress, Philip Jones Griffiths, Eugene Richards. I considered Robert Franks photography (maybe more so it’s perception) as too artsy, maybe too poetic. I was maybe much closer to his photography when I really started out working with the media, just exploring, working in the darkroom, of course not closer to his quality of work, but closer to the concept.

I somehow feel like I have done a full circle. I had to abandon that poetic quality and the openness in order to make my photography useable. Most of my photographer’s life I have worked as a photojournalist. This has certainly made an imprint on me and my way of seeing. But the past few years I have discovered the need to make images with less obvious statements and giving them a much more universal and timeless quality. In this sense I feel like I have come much closer again to Frank’s photography. Today I look at my book and I see very little resemblance with Franks work, but I do see a frightening similarity of the undelying subjects we are both treating, loneliness, the american dream, racism… and maybe a certain melancholy too.

Christian Reister: The big American cities like San Francisco, Los Angeles or New York play only a marginal role in your book. Why did you focus on the rural regions?

Thomas Kern: It is a conscious decision. I lived in San Francisco, a beautiful city, cosmopolitain, open and politically liberal. Most of these qualities are not necessarily representative of the rest of America. The two coasts, San Francisco, Los Angeles and on the East coast New York and maybe Boston are totally over represented in our perception of America. It is also not my love for landscapes, but it was the idea to visualize how the majority of Americans live.

Christian Reister: Do you always have a camera with you and are you photographing on the streets anyway or are you only working with a clear concept or targed in mind?

Thomas Kern: I used to always have a camera with me. But gradually less and less, Although lately I am making an effort to go back to that habit again. I am sure it has to do with the kind of work I’ve been doing over the past twenty years, photojournalism was of course mostly project oriented. But I suspect there are also other reasons, more to do with my self image, my identity as a photographer. When starting out, it was good to always carry a camera, because therefore I was a photographer…

Today I know photography is my profession, I haven’t done anything else for the past two decades. Even DRUG FREE LAND was mostly done in a project oriented way. I have a family, responsibilities and a life apart from photography which forces me to find some kind of a balance and efficiency in my work. I can’t afford to aimlessly wonder around and I do not subscribe to esoteric theories of how to get to my images. I talked about this before, the whole framework I need to go out in order to be able to find my images.

Christian Reister: Is there a new project you are currently working on?

Thomas Kern: I am still not sure whether I have come to an end with America after having published the book. Maybe yes, maybe no. I also keep on working in Haiti, especially now, after the earthquake of last January, a whole new chapter has opened itself in front of me. To publish Haiti is much more difficult. Working with Patrick Frey for A DRUG FREE LAND was great and a wonderful experience. The fact that this is a small publisher with a limited distribution was not so relevant for DRUG FREE LAND. It is a much more personal goal to have this published, and I am happy with it, as it is.

Christian Reister: If you could chose three photobooks for a residence on a lonely island – which ones would you choose?

Thomas Kern: FAIT by Sophie Ristelhueber

BELGICUM by Stephan Vanfleteren

ANTLITZ DER ZEIT by August Sander

Jens Pepper: Mit deinem aktuellen Buch „Visions of Time“ ist eine Werkübersicht erschienen, die einen schönen Einblick in dein bisheriges Schaffen gibt. Wieso hast du darin auf eine Chronologie verzichtet und die Arbeiten aus mehr als zehn Jahren durchmischt präsentiert?

André Wagner: Weil Gedanken und Visionen bzw. Ideen auch nicht linear zu einem kommen, zumindest geht es mir so. Ich wollte meine eigene Ordnung im Buch finden und nicht diese intellektuelle Idee von einem So-muss-es-sein umsetzen. Mir geht es bei „Visions of Time“ nicht primär um die Darstellung linearer Zeit, auch nicht um Belichtungszeiten usw. Diese Dinge möchte ich eher hinterfragen. Es geht mir um querdenkerische Prozesse und wie man diese fruchtbar macht. Oftmals denke ich einige Jahre über Ideen nach und entsage dabei dem Drang diese sofort umsetzen zu wollen. Daher begleiten mich einige Inspirationen oder Visionen eine ganze Weile lang. Ich kann sie so für mich überprüfen und testen, also, ob sie Bestand haben.

Jens Pepper: Das klingt sehr komplex. Lass uns all dieses ein wenig aufschlüsseln. Lass uns mit deinen Anfängen als Fotograf beginnen. Als Jugendlicher hast du dich vor allem mit Graffiti beschäftigt. Zusammen mit deinem damaligen Kumpel Lars Teichmann, der inzwischen ein erfolgreicher Maler geworden ist, hast du viele Jahre Bilder auf Wände gesprüht. Wie bist du dann zur Fotografie gekommen?

André Wagner: In der 6. Klasse sind Lars und ich in dieselbe Klasse gesteckt worden. Da wir beide während der Unterrichtsstunden gerne vor uns hin gemalt haben, sind uns unsere Gemeinsamkeiten schnell aufgefallen. Daraus ist dann die Idee entstanden, etwas mit Graffiti zumachen. Und so haben wir angefangen, täglich gemeinsam in einer alten Fabrikhalle in der Nähe von unserer Schule zu sprühen. An diesem Ort haben wir uns dann ca. 4 bis 5 Jahre lang mit hunderten von kleinen und großen bunten Bildern verwirklicht. Mit ca. 16 Jahren habe ich von einem Aldi Markt in der Nähe von Chemnitz eine legale Fläche bekommen, die dann unsere erste eigene „Hall of Fame“ wurde. Die Wand war um die 300 Meter lang. Der optimale Ort, um viele Graffiti-Künstler zum gemeinsamen Sprayen einzuladen.

Während dieser Sessions habe ich auch mit dem Fotografieren angefangen. Mein erstes bewusstes Portrait habe ich mit einer Praktica von dem mittlerweile weltbekannten Sprüher TASSO gemacht. Ich war auch derjenige, der unsere Wände fotografisch dokumentiert hat. Die habe ich dann immer als Collagen aus den einzelnen Bildern zusammen gesetzt.

In dieser Zeit wurde mir klar, dass die Fotografie mich inspirierte und sie wurde zu meiner großen Leidenschaft. Es war auch die Zeit, in der eine Entscheidung für Ausbildung oder Studium anstand. Leider konnte meine Familie sich überhaupt nicht vorstellen, was die Fotografie für mich bedeutete und steckte mich über familiäre Kontakte erst einmal in eine Maurerlehre. Das war wie ein Straflager, und nach 6 Monaten habe ich diese Lehre abgebrochen und habe noch am selben Tag ein sechsmonatiges Praktikum bei einem Fotografen begonnen. Dieser Fotograf hat mich dann später auch ausgebildet.

Ich habe übrigens schon während meines zweiten Lehrjahres private Aufträge erhalten und u.a. Laura Bielau für das Cover des UNI Spiegels fotografiert. Sie war später langjährige Assistentin bei Michael Schmidt. Und 2000 war ich Preisträger beim Deutschen Jugend Fotopreis.

Jens Pepper: Wow, toll. Wer war der Fotograf, bei dem du in die Lehre gegangen bist? Hatte er dein Talent erkannt und dich dann entsprechend gefördert?

André Wagner: In den ersten Monaten lief alles super, als er aber mal im Krankenhaus war und ich einspringen musste um Babyaufnahmen zu machen, veränderte sich die Situation total. Ich habe das Baby damals nicht so fotografiert wie es Standard war, sondern mit einem Weitwinkel, mit den Füßen ganz groß im Vordergrund. Das  Gesicht hat man nur noch klein im Hintergrund gesehen. Die Eltern waren geschockt und mein Chef nicht glücklich darüber. Ich fand es dagegen innovativ. Er reagierte sehr wütend und ich durfte ab diesen Moment nie wieder Kundenbilder machen. Im Nachhinein empfinde ich das als großes Glück. Ich konnte danach meine eigenen Shootings umsetzen, weshalb ich die restlichen zwei Jahre meiner Ausbildung eigentlich eher als Autodidakt verbrachte. In der Berufsschule kamen meine selbstproduzierten Bilder aber super gut an und ich wurde in meiner eigenen Sicht bestärkt.

Jens Pepper: Was für Themen haben dich in dieser Zeit interessiert?

André Wagner: Ich war sehr experimentell unterwegs.  Ich habe Menschen angemalt und in Landschaften fotografiert, Nackte bei minus 20 Grad posieren lassen und ich habe gerne Selbstportraits gemacht. Mein erstes Shooting habe ich mit zwei nackten Frauen in einer Badewanne gemacht, die sich in einem alten Haus ohne Heizung befand. Das war im Winter. Der kleine ca. zehn Jahre alte Bruder der Freundin, die mir Modell stand, hat eine Lampe für das Licht gehalten. Diese Lampe hatte eine offene Stromleitung und irgendwann während des Shootings wurde mir klar, dass das lebensgefährlich war, auch durch die hohe Luftfeuchtigkeit im Badezimmer. Ich werde dieses Shooting nie vergessen, wir hätten alle sterben können.  Cartell Citycards hat von diesem Motiv damals zehntausende von Postkarten gedruckt und Deutschlandweit verteilt.

Jens Pepper: Wie ging es nach der Ausbildung weiter?

André Wagner: Für mich war es schon damals klar, dass ich nie ein guter Angestellter sein würde, sondern dass ich mein eigener Boss sein musste. Ich habe es immer geliebt, meine eigenen Ideen umzusetzen. Ca. ein Jahr nach meiner Ausbildung habe ich mich im November 2002 als Fotograf selbstständig gemacht.

Jens Pepper: Erzähle mir davon.

André Wagner: Zu diesem Zeitpunkt, mit zwanzig, war ich mir ehrlich gesagt noch gar nicht bewusst darüber was es bedeutet, selbstständig zu sein. Einfach waren die ersten Jahre nicht. Meine damalige Agentin aus Berlin, mit der ich schon während meiner Lehrzeit zusammengearbeitet hatte, hat mir die Selbstständigkeit vorgeschlagen; auch weil ich ja schon während der Ausbildung für Magazine gearbeitet hatte.

Jens Pepper: Kannst du das näher erläutern? Was hast du für Magazine fotografiert? Und wie bist du zu einer Agentin gekommen, wie hat sich das ergeben?

André Wagner: Mein erstes Shooting für ein Magazin war eine Fotostrecke über Brian Molko von der Band Placebo. Und dann habe ich Matthias Schweighöfer fotografiert. Es waren immer Portraits, die sehr schnell gehen mussten. Für ein Shooting hatte ich oft nicht mehr als zwanzig Minuten Zeit. Ergeben hatte sich das alles nach meiner Preisverleihung 2000 auf der Photokina.

Ich hatte damals mit Cartell City Cards aus Chemnitz eine Bewerbungs-CD mit meinen Bildern vorbereitet, die ich auf der Photokina einigen Leute aus der Fotografie-Szene geben wollte. Eine CD hat Edith Stier-Thompsen von der DPA von mir bekommen. Sie hat meine Arbeiten verschiedenen Kontakten gezeigt und so bin ich dem Fotografen Stephan Gabriel aus Hamburg aufgefallen. Er war damals Redakteur bei einer Hamburger Zeitschrift. Er wiederum kannte meine Agentin und so ist schnell der Kontakt entstanden.

Jens Pepper: Wer war denn Cartell City Cards?

André Wagner: Eine Agentur, mit der ich zusammengearbeitet habe.

Jens Pepper: Mit was für einer Kamera oder welchen Kameras hast du damals gearbeitet?

André Wagner: Mit einer Mamiya 645 Pro und einer Canon 500N.

Jens Pepper: Analog ist Dir heute auch noch sehr wichtig, oder?

André Wagner: Ja, ich liebe es analog zu fotografieren und ich mag speziell den  analogen Film Fuji Reala 100. Leider ist die Produktion dieses Films eingestellt worden.

Jens Pepper: Gibt es digitale Kameras, mit denen du das erreichst, was du fotografisch anstrebst?

André Wagner: Ich finde analog und digital ist überhaupt nicht dasselbe. Jede Kamera und vor allem jedes Objektive hat seinen eigenen Charakter. Es gibt Bilder, die ich nur machen konnte, weil ich genau die eine Kamera dabei hatte. Manche Bilder mache ich nur digital, da weiß ich ganz genau, das ich mit einer Analogen gar nicht erst anfangen muss. Umgekehrt ist es genauso.

Jens Pepper: Wofür verwendest du bevorzugt analog und wofür digital?

André Wagner: Ich arbeite sehr intuitiv und habe auf Reisen oft vier Kameras dabei: ein bis zwei digitale, sowie meine Mamiya 7 und eine Panoramakamera mit 6 x 17 cm. Außerdem bis zu zwölf Objektive. Ich hab es noch nie geschafft nur eine einzige Kamera zu verwenden. Ich würde mich eingeengt und in meiner Kreativität limitiert fühlen. Es wäre natürlich eine Form von Freiheit mit nur leichtem Gepäck zu reisen, doch das ist zurzeit nicht das, was ich möchte. Mir gefällt es auch, bei meinen Ausstellungen all die verschiedenen Formate zu sehen.

Jens Pepper: In deinen Ausstellungen dominieren die Landschaften, teilweise kombiniert mit Aufnahmen von deinen Lichtperformances, die ja auch in oft weiten Landschaften inszeniert wurden. All diese Fotos sind Resultate deiner vielen Reisen. Wenn ich mich jetzt richtig erinnere bist Du bereits mit 18 Jahren das erste Mal nach Indien gereist. Das heißt, dass die kommerziellen Aufträge parallel zu diesen eher freien Arbeiten entstanden sind. Ist es jetzt auch noch so, dass es ein Miteinander von freier und Auftragsarbeit bei dir gibt? Oder hast Du Dich irgendwann entschieden nur künstlerisch tätig zu sein?

André Wagner: Anfangs gab es beides. Ab 2006 aber, als ich für vier Monate in Neuseeland war, um dort an meiner Feuerserie “Romance of Elements”zu arbeiten, hat sich einiges verändert. Während dieser Zeit konnte ich ja keine Aufträge in Deutschland annehmen, weshalb andere Fotografen meine regelmäßigen Aufträge bekommen haben, die ich dann auch los war. Ich selbst hatte nach der Reise auch nicht mehr so richtig Lust auf Magazinaufträge. Auch weil ich der Ansicht bin, dass Fotos in Magazinen wie Graffitis in Berlin sind: sie sind nicht lange von Bestand. Bei der künstlerischen Fotografie ist es genau das Gegenteil. Man fotografiert beispielsweise einen Moment in der Natur, hält diesen aber für die Ewigkeit fest. Wenn ein solches Foto in einer Kunstsammlung landet, dann wird es wahrscheinlich ein langjähriger Begleiter für den Menschen. Dafür mache ich Fotos und das ist für mich persönlich sinnvoller als bloß einen Modetrend zu illustrieren und zu bewerben.

Ich liebe es aber für Kunst-am-Bau-Projekte zu arbeiten. Das sind kommerzielle Aufträge, die ich auch heute noch gerne mache, weil dort meine Kunst im Vordergrund steht. Ansonsten möchte ich mich als Fotograf vom kommerziellen Angebot her nicht mehr so breit aufstellen. Ich möchte lieber genug Zeit für die Organisation meiner inzwischen zahlreichen Ausstellungen haben und für die Kommunikation mit Galeristen und Sammlern usw.

Jens Pepper: Was war Deine erste Reise, die Du vor allem wegen einer fotografischen Idee unternommen hast?

André Wagner: 2004 nach Indien.

Jens Pepper: Weshalb Indien? Und was hast Du dort fotografiert?

André Wagner: Ich habe eine Pilgerreise gemacht und dabei ebenfalls an „Romance of Elements“ gearbeitet.

Jens Pepper: Was für eine Pilgerreise und aus welchem Anlass?

André Wagner: Ich war an verschiedenen Orten, in Vrindavana, Navadvip, Rishikesh. In Mayapur, einer spirituellen Stadt im Westen Bengalens, war ich in einem Tempel, in dem eine große Einweihungszeremonie für die Gottheit Sri Pancha-Tattva stattfand, die von hunderttausenden Pilgern besucht wurde. Dort bin ich für ca. zwei Wochen geblieben und habe das Fest fotografiert. Dort habe ich auch sehr viele inspirierende Menschen getroffen. Die mystische Atmosphäre, die ich dort kennenlernen durfte, hat mich im Leben und in meiner künstlerischen Arbeit nachhaltig beeinflusst.

Jens Pepper: Wie hat sich dein Leben und deine Arbeit dadurch verändert?

André Wagner: Ich habe das Kiffen für die Meditation aufgegeben [lacht]. Ja wirklich. Durch Berauschung verliert man Entschlossenheit. Wenn man nicht mehr kifft, hat man auf einmal viel mehr Zeit für seine Kunst und für das Leben. Alles wird dadurch ehrlicher. Außerdem bin ich in Indien zum Vegetarier geworden. Ich habe ein anderes Weltbild gewonnen und ein größeres Mitgefühl entwickelt.

Jens Pepper: Erzählst du mir etwas über die Bildserie „Romance of Elements“? Wie ist die Idee dazu entstanden und wie bzw. wo hast du sie umgesetzt?

André Wagner: Es geht mir in dieser Serie um die fünf Elemente: Feuer, Wasser, Luft, Erde und Raum. Jedes dieser Elemente ist in allen Lebewesen vorhanden. Zum Beispiel das Feuer, das ich durch den Raum trage und mittels Langzeitbelichtung fotografiere, symbolisiert die Seele bzw. die Energie, die wir wahrnehmen. Es sind für mich Selbstportraits, nicht im Sinne von einer Darstellung des Körpers sondern von menschlicher Energie.

Jens Pepper: Kannst du mir noch etwas zu den fünf Elementen sagen?

André Wagner: Das Feuer ist Träger von Farbe und Licht, die Erde trägt den Geruch, das Wasser den Geschmack, der Raum den Klang und die Luft ist die Berührung.

Jens Pepper: Weshalb hast Du für uns Europäer exotische Orte aufgesucht, um Deine Bildideen zu realisieren?

André Wagner: Ich habe Indien für mich aufgesucht, weil ich dieses Land kennenlernen und erfahren wollte. Viele Bildideen haben sich dann vor Ort entwickelt.
Für mich sind die Orte auch gar nicht exotisch. Es sind Orte, die mich emotional inspirieren. Und die liegen bei mir eben häufig in der Ferne. Ich mag Orte, die mystisch und geheimnisvoll sind.

Jens Pepper: Im Frühjahr warst du auf Island. Mystisch und geheimnisvoll ist die Insel ja auf jeden Fall. Was hast du dort fotografiert?

André Wagner: Vor allem Gletscher, die Landschaften und Steinkegel.

Jens Pepper: Reine Landschaftsfotografie? Was war dir bei den Aufnahmen wichtig? Wolltest du ein bestimmtes Bild von Island zeigen?

André Wagner: Nein, ich bin nicht nach Island gereist, um ein bestimmtes Bild zu produzieren. Für mich stellte sich eher die Frage: was macht das Land mit mir? Das war eine neue Erfahrung; diese Ruhe dort, diese weiten Landschaften und dann vor allem diese hellen Nächte. Um in dieser ungewohnten Situation fotografieren zu können habe ich das Land auf mich einwirken lassen, habe mir erst einmal ein Bild gemacht.

Jens Pepper: Wie muss ich mir das vorstellen, wenn du sagst, dass du dir erst einmal ein Bild machst bevor du loslegst? Reist du umher, suchst geeignete Orte und kehrst dann zu diesen Orten zurück um die Aufnahmen zu machen?

André Wagner: Das ist jedes Mal anders. Manchmal komme ich nach Jahren wieder zurück, ein anderes Mal kommt mein erster Besuch genau zur richtigen Zeit. Ich meine übrigens, dass wir nicht nur mit den Augen sehen. Manchmal kann man ein Motiv erst durch eine gewisse Erfahrung, oder durch hinzugewonnenes Wissen erkennen.

Jens Pepper: Kannst du noch mal auf deine Motivsuche in Island zurückkommen?

André Wagner: Nach Island bin ich komplett ohne eine visuelle Idee für meine Fotos gekommen. Ich hatte nur ein bestimmtes Gefühl, eine Emotion. Und es war ein Land, das ich bis dahin noch nicht kannte.

Jens Pepper: Wenn du die Bildergebnisse in Prints umsetzt, hast du bestimmt eine Vorstellung wie groß diese sein müssen. Was für Präferenzen hast du beispielsweise bei den Landschaften?

André Wagner: Da gibt es keine Vorzüge, egal ob es sich um Landschaftsaufnahmen oder Stadtaufnahmen handelt. Zum Beispiel: das Panoramaformat lasse ich in drei Größen, in 40 x 120 cm, 60 x 180 cm und 100 x 300 cm als limitierte Edition produzieren.

Jens Pepper: Und auf was für Papierarten fertigst du die Arbeiten bevorzugt?

André Wagner: Ich stimme jedes Bild individuell ab und mache verschiedene Proofs auf mehreren guten Papierarten. Dann entscheide mich für das geeignetste.

Jens Pepper: Welche Rolle spielt Licht in Deinen Arbeiten? Sowohl in Deinen Aufnahmen, in denen performative Elemente die Grundlage darstellen, als auch in den meisten Landschafts- und Stadtaufnahmen ist es von elementarer Bedeutung. Du arbeitest ja auch bevorzugt in der Nacht.

André Wagner: Ja, Du hast schon recht. Licht ist die Farbe in meinen Bildern und es ist mir wichtiger als die Orte an sich. Manchmal ist es mir auch wichtiger als die Personen. Licht, oder auch die Abwesenheit davon, macht ein Bild in meinen Augen oft besonders.

Jens Pepper: Ich merke in vielen Deiner Antworten, dass Du beinahe spirituell an Deine Fotografie herangehst. Es kommt Dir eigentlich gar nicht so sehr auf die Motive an. Dich interessiert eher das, was dahinter steckt, Dinge, die Dich in irgendeine Weise persönlich berühren, bewegen, zum Nachdenken anregen. Die Motive scheinen Vehikel zu sein, die Dir behilflich sind, irgendetwas dahinter zu entdecken, das mit Deinen Gefühlen und Empfindungen einhergeht. Liege ich mit dieser Interpretation daneben?

André Wagner: Nein, das hast Du absolut richtig beobachtet. Ich versuche ohne Zwang an meine Arbeit heranzugehen.

Jens Pepper: Du wirst in diesem Spätsommer auf der Photokina in Köln einer Einladung folgen und eine umfangreiche Präsentation deiner Fotos zeigen. In 2016 wirst du eine erste große Einzelausstellung im Museum Moritzburg Halle an der Saale haben. In beiden Ausstellungen werden die Besucher begeistert und angerührt vor deinen Aufnahmen aus Indien und Island stehen und vor all den anderen Bildern, die du möglicherweise zeigen wirst. Denkst du, dass diese Betrachter wirklich in der Lage sind, das, was du eigentlich zeigen möchtest, auch zu sehen bzw. zu erleben? Bleibt das, was du mit deinen Aufnahmen für dich selbst anstrebst, nicht eigentlich allen anderen verborgen?

André Wagner: Ich würde mich natürlich freuen, wenn ich die Besucher mit meinen Arbeiten begeistern kann. Aber letztendlich hängt es von jedem einzelnen Betrachter und seinen persönlichen Interessen ab. Ich habe darauf keinen Einfluss und ich finde, dass das auch gut so ist. Ein schönes Erlebnis hatte ich mal bei einer Ausstellung meiner Serie „Romance of Elements“. Da ist eine Gruppe von Kindern total inspiriert gewesen und die sind dann direkt auf mich zugekommen und haben mir ihre Wahrnehmungen und Kinderphantasien als Reaktion auf meine Bilder mitgeteilt. Das fand ich toll. Ein anderes Mal stand eine Frau weinend vor einem Indienbild und hat mir erzählt, wie stark sie diese Arbeit berührt.

Ein Kunstwerk trägt meist eine Spannung in sich, hat eine gewisse Energie, die meiner Meinung nach ein Spiegel des Bewusstseins des Künstlers ist.

Das Gespräch wurde im August 2014 geführt und ist zuvor in der Aktuellen Ausgabe des Brennpunkt erschienen.

Fotos oben: aus der Serie „Sonntags in Berlin“ von Frank Schirrmeister

Dieses Interview wurde im Frühjahr 2011 in englisch geführt. Die am Ende des Gesprächs angekündigte Serie „Beyond Crises“ ist mittlerweile abgeschlossen.

Christian Reister: You graduated at Ostkreuzschule für Fotografie und Gestaltung in Berlin in 2007. Was it important for you to study there and not elsewhere? Have the academic studies been important for you to define yourself as a photographer?

Frank Schirrmeister: For me, the Ostkreuz School was a stroke of luck. It was founded by exactly those people I had adored since adolescence, that is, Sibylle Bergemann, Ute Mahler etc. Another godsend was that the school was founded at the time when I was ready to become photographer. I belonged to the first class that graduated from the newly-founded school. Thus, we were kind of guinea pigs, which created a special and very close relationship between lecturers and students. Having studied at the Ostkreuz School was a formative time and the experience of intense discussions about images, photography and life in general has definitely shaped my idea of photography.

Christian Reister: When did you start photographing? Can you recall the first photo you took that made you go WOW and can we show it here?

Frank Schirrmeister: I have always been fascinated by photography but it took a long way until I realized that I could do it by myself! Surely, this was a matter of being grown-up (which took a while) and a kind of inner maturity that lead me to the point when I had the world to tell something. This started to become serious about eight years ago. However, I do not want to be remembered of my first attempts expressing myself by photography. To a certain extent, photography is a simple craft that needs some skills or has to be trained. That´s why I wouldn´t present my early pre-Ostkreuz works.

Christian Reister: Please tell us about the genesis of SUNDAYS IN BERLIN, which is currently exhibited at FENSTER61 in Berlin.

Frank Schirrmeister: A formative impression for me was the East German photography that mostly dealt with ordinary men in an unpretentious way. Let me mention as an example (beside the famous Ostkreuz names) Gundula Schulze-Eldowy and her great work BERLIN IN EINER HUNDENACHT. Inevitably, I soon turned to this kind of street photography by myself. My diploma work LAND OF FEAST (FEIERLAND in German) was already an extensive observation of people on public festivals and funfairs.

The approach of my new work is similar in its idea. For SUNDAYS IN BERLIN I have been exploring the leisure activities of ordinary Berliners, avoiding the big fuss in order to find the unspectacular “real” Berlin. Again, I am rather interested in Berlin on the fringe, beyond the cool downtown districts, to approach the essence of the town, to scrutinize the popular image of Berlin. My procedure is to study the calendar of events at weekends and to select any events that sound promising, strange, even a little bit obscure and beyond the things I usually do on a Sunday. Then I go there and watch the fuss and with some fortune I arrive back home with an useful image or two.

Christian Reister: Do you talk to the people you photograph and ask for permission?

Frank Schirrmeister: No, since the result would be a staged image, not an observed one.

Christian Reister: How often did you attend an event without getting a good picture for the series?

Frank Schirrmeister: This happens of course, but normally there are at least one or two pictures as a result of an afternoon out that satisfy me. Even so, very few of them made it in the final round. After three years of work I have now made a selection of 50 images. You can imagine how many pictures are left in the shelf.

Christian Reister: Another series of yours, PLAIN CITY, is currently on exhibition at Robert-Morat-Gallery in Hamburg. Are you constantly working with that gallery? If yes – how did you get in contact with them?

Frank Schirrmeister: The exhibition of my PLAIN CITY is the first one at Robert Morat´s gallery. I do not know yet if subsequently a constant collaboration will result from that. I would like to since Robert is an open-minded gallery owner with a vision and, not the least, with a good standing on the art market. It was Arno Fischer who brought us together. He recommended me to Morat when he saw my diploma work. However, from the suggestion to the final exhibition it took three years! This lead time seems to be quite normal for a gallery in this league.

Christian Reister: PLAIN CITY – in contradiction to SUNDAYS IN BERLIN – never shows people. They have a very formal style of classical architecture photography. What is the idea behind this series and what technique did you use for it?

Frank Schirrmeister: Since 2006 I have wandered Berlin with a Sinar large format camera, always during the weekend, always at dawn. The reason for getting up that early: the emptiness. Reducing the city to its plain, naked existence is for me a way to approach the essence of the place. Although the streets are devoid of people, traces of everyday life and activity are found everywhere. In the sallow morning light, Berlin’s makeup seems about to crumble, and a transformation happens: things, buildings, places you have seen a thousand times before appear strange and new. In a while, nothing will look the same. The urban landscapes in these photographs are mostly places in transition, waiting for their reshaping. This leaves the chance for a sequel: how will these places look in a conceivable future?

Actually, PLAIN CITY is for me the contrary as well as the complement to SUNDAYS IN BERLIN, different in its method but similar in its mental and intellectual approach of delving into the deeper layers of the metropolis Berlin.

Christian Reister: Is there a new project you are currently working on?

Frank Schirrmeister: This year I will take a time out and cross throughout Europe in an old VW bus for three months. Of course, I will not forget my camera. My plan is to do a project whose working title is BEYOND CRISIS. I will try to find a middle course between pure street photography and the more conceptual photography as in PLAIN CITY. In any case, I will return for this project to conventional analog film and medium format.

Christian Reister: Which photographers inspired you the most?

Frank Schirrmeister: Still, my favourite inspiration is the East German photography in general with its idea of humanity and its reservation against false tinsel and its attempt to get beyond the surface.

Christian Reister: Any young photographers who impress you?

Frank Schirrmeister: I don´t know why I should distinguish between young and mature photographers? Important is the idea behind and if the person has to tell me something or not. The latter is unfortunately quite often the case.

Fotos oben: aus der Serie „Leere Stadt“ von Frank Schirrmeister

Jens Pepper: Du hast gerade eine Ausstellung mit eigenen Fotografien unter dem Titel „Dunst“ in der Fotografischen Gesellschaft Trier eröffnet. Was zeigst du dort?

Calin Kruse: Die Ausstellung findet in der Tuchfabrik Trier statt, die Fotografische Gesellschaft ist der Veranstalter. Ich zeige dort Ausschnitte aus insgesamt vier Serien: „No Real Time Info Available“, (das Buch dazu ist gerade erschienen), „Fumoir“, (auf goldenem und metallischem Papier geprintet), „Darkest“, (auf silber-metallischem Papier), und „Alles“, (wovon online noch nichts zu sehen ist).

Jens Pepper: Kannst Du mir etwas zu diesen Serien sagen? Wovon handeln sie, wie funktionieren sie miteinander, wenn sie das überhaupt sollen?

Calin Kruse: Der Untertitel der Ausstellung ist „Bilder vom Rausch (Dunkelheit, Intimität, Staub, Instinkt, Gewalt)“. Die Serien haben untereinander nichts miteinander zu tun, aber alle etwas mit mir, mit einem bestimmten Gefühl und gewissen Dingen, die in mir vorgehen. Sie zeigen einerseits die „dunkle Seite“; wobei diese nicht negativ sein muss. Die ist einfach da. Und andererseits Nähe, Sex, Exzess und ein Sich-Fallenlassen.

Jens Pepper: Ich kenne deine Fotos bisher nur durch das Internet und durch Publikationen, aber ich hatte in der Tat das Gefühl, dass es sich dabei häufig um sehr persönlich geprägte Aufnahmen handelt, um Impressionen des eigenen Seins. Nicht in der Art wie beispielsweise die Fotos von Nan Goldin, sondern mit einem romantischen Unterton. Das sehe ich derzeit häufiger, vor allem bei jüngeren Fotografen, und hier wiederum vor allem bei Fotografinnen. Entwickelt sich da eine neue selbstreferentielle Fotografie? Entsteht da gerade ein neuer Trend?

Calin Kruse: Das Wort „Trend“ ist nicht unbedingt positiv, aber was mich betrifft: ich fotografiere sehr instinktiv und intuitiv, und nur das, was mich persönlich interessiert. Ich fotografiere übrigens auch Nazis, Landschaften und Tierteile. Die Technik interessiert mich dabei kein bisschen. Ich weiß nicht einmal, wie meine Kamera heißt. Es muss sich für mich gut anfühlen. Ich schaue in dieser Hinsicht nicht nach links und rechts.

Es ist ganz einfach: Natürlich freut man sich, wenn man merkt, dass Bilder etwas in einem Betrachter auslösen. Aber nur deswegen würde ich selbst nicht weiter fotografieren; nicht wenn es sich für mich nicht richtig anfühlt. Und andersherum: ich denke, solange man für sich fotografiert, sind die Bilder gar nicht kritikfähig.

Aber es stimmt: Ich mache ein Magazin für Fotografie, und mir fällt schon auf, dass in den letzten Jahren sehr viele persönliche Serien entstanden sind. Man bekommt einiges an Bewerbungen zugeschickt. Viele davon kann man aber schlecht lesen. Ich sehe den Zenit solcher Serien fast schon überschritten – außer, man macht etwas noch krasseres als das Dagewesene. Wenn man aber unbedingt im Trend sein will, sollte man vielleicht auf einem anderen Zug springen.

Jens Pepper: Wenn Du sagst, dass Bilder, die man nur für sich fotografiert, gar nicht kritikfähig seien, meinst Du aber nur Aufnahmen, die nicht ausgestellt oder in den Medien veröffentlicht werden, oder?

Calin Kruse: Nein, ich meine das so: Ich schaue mir gerne Bilder an, vor allem, wenn sie etwas in mir auslösen. Ich freue mich darüber, dass es sie gibt, bzw. die jeweiligen Fotografen sie zeigen. Deswegen denke ich, dass sich jemand auch an meinen Bilder auf irgendeine Art erfreuen könnte, und deswegen zeige ich sie. Ich fotografiere Menschen, die mich interessieren, zahle nicht dafür und nehme auch kein Geld an. Ich mache auch sehr selten bei Wettbewerben mit, oder bemühe mich um Presse für meine Arbeit. Alles, was nach dem Moment des Fotografierens kommt – Filme entwickeln lassen, einscannen, entfusseln, aussortieren, online stellen, … – das ist irgendwie Gedöns, das gemacht werden muss. Ich reiße mich aber nicht darum. Ich habe mich auch um keine Ausstellungen bemüht, ich wurde immer angefragt. Wie gesagt, es ist schön, wenn die Leute mit den Sachen etwas anfangen können. Ausstellungen mache ich gerne, um eine Form für eine Serie zu finden und um eine andere Sprache als die Buchsprache zu entwickeln. In der DUNST-Ausstellung habe ich beispielsweise einen eigenen Raum für die „Alles“-Serie gebaut. Aber noch lieber mache ich Bücher und Hefte in Kleinauflage. Dann sind die Serien für mich wirklich abgeschlossen, und es entsteht Hirnplatz für Neues.

Nur weil man für sich fotografiert heißt nicht, dass man die Sachen nicht zeigen kann; und mit „nicht kritikfähig“ meine ich: wenn du in einem vertrauten Moment ein Bild von einem Menschen machst der die Nahe steht, und das Bild ist genauso, wie du in dem Moment diesen Menschen siehst, kann ich schlecht zu dir sagen: „du hättest das Foto weiter von unten machen sollen, und das Licht mehr von der Seite, und die Haare ordentlicher“. So etwas steht mir einfach nicht zu. Entweder ich mag’s, oder nicht.

Jens Pepper: Du kommst ja ursprünglich aus dem Bereich Grafikdesign, in dem du bis heute tätig bist, und hast eine Diplomarbeit über Zines geschrieben. Vor einigen Jahren hast Du die kleine und feine Zeitschrift dienacht gegründet und etwas später auch noch einen Verlag für Fotobücher in Kleinauflagen. Die eigene Fotografie scheint irgendwann in dieser Zeit hinzugekommen zu sein. Bevor wir über deine verlegerische Tätigkeit sprechen, würde ich liebend gerne noch ein wenig bei der Fotografie bleiben. Wann hast Du damit begonnen?

Calin Kruse: Während des Grafikdesign-Studiums, so nebenbei. Ich habe auch für die Bewerbungmappe für dieses Studium ein paar Fotos von kaputten Colaflaschen gemacht. Die klassische Geschichte mit Kamera vom Opa gibt’s aber nicht, und ich würde mich auch nicht als Fotografen bezeichnen. Ich kann Filme und Fotos im Labor entwickeln, weil ich das im Studium gelernt habe, aber sonst kenne ich mich mit fast nichts aus.

Jens Pepper: Seit ein paar Jahren bist Du aber ernsthaft bei der Sache. Du stellst regelmäßig aus und veröffentlichst eigene Bücher. In dieser Hinsicht würde ich dich auch als Fotograf sehen wollen, denn ein Laie bist du keinesfalls. Da ist es auch egal, ob du technisch das ganze Fotografenbrimborium beherrscht. Ich habe gerade Dein Buch Schmetterling erworben, dass mir gut gefällt. Es ist dieser erzählerische Moment, der den Aktfotos innewohnt, den ich mag. Auch die kleine, zarte Form des Buches passt da sehr gut. Was reizt Dich an der Aktfotografie?

Calin Kruse: Es geht mir weniger um die Nacktheit an sich, sonder um die Ehrlichkeit, die dadurch entsteht. Wenn man nackt ist, zeigt man sich. Mauern fallen. Man sieht blaue Flecken, Kratzer, Narben, gleichzeitig auch Abgründe. Mich interessiert es tiefer zu gehen. Deswegen mag ich es lieber, immer wieder Fotos mit denselben Menschen zu machen, die man dann besser kennt und denen man vertraut, als nur Einmalgeschichten. Wobei diese auch richtig gut und unvorhersehbar sein können. Die meisten Porträts die für mich so passen sind diejenigen, die entstanden sind als die Menschen nackt waren. Wenn man von vornherein sagt „Ich will hübsche Fotos machen, ich werde mich aber nicht ausziehen“, entsteht automatisch eine Mauer und das sieht man auf den Bildern. Sie sind unverbindlicher. Die Porträts werden auch nichts.

Jens Pepper: Sind es Personen aus Deinem persönlichen Umfeld, mit denen Du hier zusammenarbeitest, also Personen, zu denen bereits ein gewisses Vertrauensverhältnis besteht?

Calin Kruse: Ja, oft. Manchmal sind es aber auch Menschen, die man nur einmal trifft und die sich so sehr fallen lassen können, dass es exzessiv wird, wie die Frau im „Schmetterling“-Buch.

Jens Pepper: Du hast anfangs gesagt, dass du auch mal Neonazis fotografiert hast. Was war das für ein Projekt?

Calin Kruse: Das war eine Neonazi-Demo in Trier, wo ich früher gewohnt habe, und ich konnte relativ nah ran gehen.

Aber keine meiner Serien ist zuvor geplant. Ich nehme mir nicht vor, etwas Bestimmtes zu machen. Dass ich eine Serie zusammenstelle passiert manchmal, nachdem ich die Fotos geschossen habe, manchmal aber auch nicht. Ich habe schon vorher erwähnt, ich gehe da ziemlich instinktiv ran.

Jens Pepper: Ist das nicht auch schon eine Art Konzept, das Instinktive als Ausgangspunkt für seine Arbeit zu nehmen?

Calin Kruse: Für mich ist das ein Widerspruch in sich.

Jens Pepper: Wie kommt es zu der Entscheidung für bestimmte Fotopapiere. Am Anfang hast Du von den metallfarbenen Papieren gesprochen, die du für die Ausstellung in Trier verwendet hast. Andere Aufnahmen werden von Dir auf PhotoRag geprintet, wie z B die Edition, die gerade von Dir zu einem recht günstigen Preis angeboten wird.

Calin Kruse: Papier ist auch ein Gestaltungselement, genauso wie man Rahmen für ein bestimmtes Bild aussucht. Und genauso wie man durch Gestaltung, Größe, Reihenfolge, Papier, Cover, Bindung eine Sprache für ein Buch findet, so kann man durch verschiedene Entscheidungen – wie eben Papier, aber auch Positionierung, Glas oder nicht Glas, Rahmen, Hängung usw. eine Sprache für ein Bild finden.

Jens Pepper: Legst du die Auswahl der Papiere für bestimmte Motive einmalig fest, oder variierst Du, je nach dem Kontext, in denen du die Fotos präsentieren möchtest?

Calin Kruse: Es kommt auf die einzelnen Fotos an, manche Motive passen besser auf PhotoRag, manche eben auf goldfarbenes, metallisches Papier. Aber klar, man geht nicht für jedes einzelne Bild die Papierpalette durch, es gibt schon ein paar wenige Sorten, die verschiedene Anmutungen haben, die ich im Hinterkopf behalte.

Jens Pepper: Gibt es Fotografien, die du lieber in gut gemachten Büchern und Zeitschriften siehst als in Printform in Ausstellungen?

Calin Kruse: Ich schaue mir oft lieber Bücher als Ausstellungen an. Weil man sich ein Buch anschauen kann, wenn man gerade Lust darauf hat. Bei Ausstellungen ist es oft so, dass sie eine begrenzte Zeit laufen, oder man ist gerade in einer Stadt, in der etwas läuft, und man schaut sich die Ausstellung an, um sie nicht zu verpassen, ist aber vielleicht gar nicht in der Stimmung dafür. Man zieht sie sich rein. Ich gehe aber trotzdem gerne in Ausstellungen. Die letzte, die ich wirklich gut fand, war Larry Clark im Foam in Amsterdam.

Jens Pepper: Was gefiel dir an der Larry Clark Ausstellung? Ich hatte vor ein paar Jahren seine Retrospektive bei C/O Berlin gesehen, war da aber gerade von seinen neueren Arbeiten eher enttäuscht.

Calin Kruse: Es waren die beiden Serien Tulsa und Teenage Lust, also eher ältere Arbeiten. Und besonders Teenage Lust finde ich sehr stark, sprachlich und inhaltlich.

Jens Pepper: Ja, diese Serien gefallen mir auch ziemlich gut. Was für Fotografen gefallen Dir noch?

Calin Kruse: Das ist schwierig. Ich mag, wie bei der Musik, eher einzelne Serien als Fotografen. Und davon gibt es sehr viele. Aber es gibt einen chinesischen Fotografen, Ren Hang, deren Arbeiten ich mag, weil sie auf eine bestimmte Art anarchistisch sind und man nie weiß, was als Nächstes kommt.

Jens Pepper: Du bist ein anerkannter und preisgekrönter Buchmacher und Verleger. Wie findest du die Fotografen, die du präsentieren möchtest, und auf was kommt es Dir bei der Auswahl an?

Calin Kruse: Oft finde ich sie durch mein Magazin. Ich habe sie meistens schon in dienacht vorgestellt, bevor ich mit Ihnen ein Buch mache. Oder sie bewerben sich. Oder ich finde sie irgendwo, und frage sie an. Es ist ziemlich unkompliziert. Es muss stimmig sein. Ich glaube, ich bin da auch instinktiv. Ein Projekt muss sich gut anfühlen, und es muss zeitlos sein. Was mir auch sehr wichtig ist, ist die Ästhetik. Ich will nicht erst ein Text lesen müssen, um eine Arbeit zu verstehen. Die Bilder müssen mich visuell ansprechen. Ich habe oft sehr wenig Text in den Büchern, was aber nicht heißt, dass die Arbeiten nicht konzeptuell sein dürfen. Aber für mich steht das Visuelle über dem Konzept. Und was mir auch wichtig ist, ist das Zwischenmenschliche. Wenn ich das Gefühl habe, dass man nicht auf einer Wellenlänge ist, oder man sich nicht vertrauen kann, lasse ich es bleiben. Das gilt übrigens auch, wenn man sich Fotos anschaut: manchmal wünscht man sich, die dazu gehörigen Fotografen nie kennengelernt zu haben.

Jens Pepper: Das kann so schlimm sein? Du nimmst dann aber hoffentlich nicht die Fotos in Geiselhaft und magst sie nicht mehr betrachten, nur weil sich ihr Urheber als Person entpuppt, die dir nicht gefällt.

Calin Kruse: Ich kann die Arbeit schon noch anerkennen, aber manchmal kann man die Bilder nicht mehr vom Fotografen trennen. Man versteht besser, was hinter den Bildern steckt; und das ist es, was einem nicht mehr so gefällt.

Jens Pepper: Wie fing es mit deiner verlegerischen Tätigkeit an? Liegt der Ursprung in deiner Auseinandersetzung mit Fanzines und Zines ganz im Allgemeinen während Deines Studiums?

Calin Kruse: Ja, ich habe mit einer Freundin zusammen mit einem Zine namens „rough“ angefangen, als ich im 2. Semester war. Und gleichzeitig kam die Idee für das Magazin „dienacht“, weil „rough“ wirklich sehr klein und fotokopiert war und nur für unser eigenes Zeugs gedacht war. Es hat aber noch zwei Jahre gedauert, bis die erste Ausgabe von dienacht raus kam. Von rough gab es insgesamt vier Ausgaben, jeweils 50 Exemplare, die wir zum Selbstkostenpreis von 0,80 € verkauft haben. Das lief später eine Zeit lang parallel zu dienacht. Und von dienacht gibt es inzwischen bald 16 Ausgaben und drei Sonderausgaben. Irgendwann, vor drei bis vier Jahren, habe ich dann angefangen kleine Fotohefte herauszugeben, und erst 2012 habe ich das erste große Buch, also für mich in größerer Auflage von 1000 Stück, herausgebracht.

Jens Pepper: Hast du dienacht dann auch noch während deines Studiums begonnen?

Calin Kruse: Ja, die erste Ausgabe kam heraus, als ich im 4. oder 5. Semester war.

Jens Pepper: Was hat Dich überhaupt dazu gebracht, eine eigene Zeitschrift zu gründen?

Calin Kruse: Ich fand, es gab damals keine Fotomagazine, die sich mit „künstlerischer“ Fotografie beschäftigt haben, oder ich kannte zumindest keine, und das habe ich vermisst. Deswegen dachte ich, ich mache halt selber eines. Es sollte kein Magazin über Technik werden, auch keine Ausstellungen oder zeitgebundene Veranstaltungen werden darin besprochen oder veröffentlicht. dienacht ist ein reines Portfoliomagazin. Es soll zeitlos sein, eher eine Sammlung als ein klassisches Magazin. Ich will nicht immer die neusten Serien zeigen, ich habe auch mal Arbeiten gezeigt die 40 Jahre alt waren, aber für mich zeitlos sind. Fotografie ist schon ein Schwerpunkt, es gibt aber auch immer ein bis zwei Design-, Illustrations- oder Kunstportfolios. Außerdem werden Magazine und Bücher vorgestellt, die ich gut finde. dienacht ist ein persönliches Magazin, es hat – wie auch die Fotografie – viel mit mir zu tun.

Jens Pepper: Ich finde es interessant, dass Du alles eigentlich vor allem aus einem sehr persönlichen Bedürfnis heraus machst: die Fotos, die Zeitschrift, die Bücher. Das Visuelle ist deine Sprache. Dies alles ist für Dich eine wesentliche Art der Kommunikation, auch mit Menschen, die du persönlich gar nicht kennst. Eigentlich ist alles ein großes künstlerischen Projekt, oder?

Calin Kruse: Ich kann mir vorstellen, dass man das so sehen kann, ja. Aber die Frage, was das alles ist, stelle ich mir nicht. Vor allem nicht die Frage, wo das hinführt.

Jens Pepper: Ist dir das wirklich egal? Was bedeuten für dich die Auszeichnungen, die du für dienacht und für deine Tätigkeit als Grafikdesigner und Buchgestalter erhalten hast?

Calin Kruse: Natürlich freue ich mich darüber! Aber was ich meinte, ist: wenn man alles zu verbissen und nur wegen der Auszeichnungen macht, dann hat man den Druck, immer etwas abliefern zu müssen. Ich glaube, man sollte sich nicht zu ernst nehmen. Man kann alles andere ernst nehmen, nur nicht sich selbst.

Jens Pepper: dienacht ebenso wie viele der von dir herausgebrachten Bücher erscheinen in kleinen und Kleinstauflagen. Trägt sich deine verlegerische Tätigkeit, oder muss noch von anderer Seite Geld zugeschossen werden?

Calin Kruse: Nein, weder mit dienacht noch mit den Kleinauflagen verdiene ich Geld. Ich decke meistens die Druckkosten. Ein bisschen kommt bei den größeren Auflagen rum, aber ich bin ja noch Grafik-Designer und mache Aufträge, halte hin und wieder Gastvorträge an Hochschulen, mache Workshops für Fotobuchgestaltung.

Jens Pepper: Wie wichtig ist die Teilnahme an Kunst-, Foto- und Buchmessen für dich als Kleinverleger?

Calin Kruse: Es ist schon wichtig. Einerseits, weil man etwas einnimmt, und dann, weil man Kontakt zu Buchläden und -händlern bekommt, die dann vielleicht regelmäßig etwas von dir im Sortiment aufnehmen. Und andererseits ist es etwas Soziales. Man kommt raus, man sieht die Menschen, die deine Sachen mögen, in Fleisch und Blut. Ich treffe dort oft auch Fotografen, die ich schon mal in dienacht gezeigt habe und mit denen ich E-Mail-Kontakt hatte, aber nie persönlich kennen gelernt habe. Man sitzt ja ansonsten nur am Rechner, schreibt E-mails und fertigt Bestellungen ab, die fast anonym rein kommen. Auf Festivals ist es immer eine sehr offene, gute Atmosphäre. Die Stimmung ist entspannt. Man kennt sich, weil die Szene nicht so groß ist und man sich immer wieder auf solche Festivals trifft. Ich freue mich, Leute wieder zu sehen oder Leute – Fotografen, Verleger, Organisatoren – kennen zu lernen, deren Arbeit man schon mal irgendwo gesehen hat. Daraus haben sich gute Freundschaften entwickelt, auch verschiedene gemeinsame Projekte.

Jens Pepper: Verrätst du mir zum Schluss noch, was für Publikationen du als nächstes planst?

Calin Kruse: Ich werde als nächstes die 16. Ausgabe von dienacht fertig machen. Es gibt immer nur das nächste Projekt.